Шедьовър
[шеде], -й, м.
1) В средновековна Западна Европа: образцов занаятчийски продукт, който според еснафските обичаи на много градове е трябвало да бъде изработен от чирак, за да докаже своите професионални умения и способност да стане независим майстор.
2) Изключително по своите достойнства произведение на изкуството и литературата; образцово творение на майстор.
Шедьоври на ренесансови художници.
Реставрация на шедьовър след вандалски акт.
Шедьовър на архитектурата.
Поетичен шедьовър.
Шедьовър на кулинарното изкуство.
Там [в църкви и манастири] шедьоври са изгубени, но някои са спасени. Особено се гордея с Дева Мария от Суздал ( Проскурин) .
Синоними:
чудо
3) прев.Уникално творение на природата.
Мразовитите шарки върху стъкло не са ли шедьовър?
4) разграждане , шегувам се или желязо.Неизразителна, посредствена творба, външен вид, неприятно явление от живота и др.
Пишете ли друг шедьовър? Шедьовър на лошото управление.
И колкото повече той самият харесваше стандартния шедьовър [собствения му стих в Газета], толкова по-пълно и сладко можеше да го прочете за другите ( Набоков) .
Етимология:
От френски chef-d „ûuvre ‘работа, достоен за господар', 'шедьовър' ( ← chef ‘глава’, ‘началник’, ‘майстор’ и ûuvre ‘труд’, ‘работа’). На руски - от средата на 19 век. Във формата обаче тя-д "евр- в речника от 1806 г
Популярен речник на руския език. Обяснителен и енциклопедичен. - М.: Руски език-Медии. А.П. Гускова, Б. В. Сотин. 2003 .
Синоними:Вижте какво е „шедьовър“ в други речници:
шедьовър- а, м. готвач d oeuvre. 1. Тя д евр. Това означава пробна работа на занаятчия, опит в майсторството и изкуството. януари 1806. 2. Образцова работа. БАН 1. Най-добрите и най-постигащите се работят към съвършенство. Използвано е...... Исторически речник на галицизмите на руския език
шедьовър- Вижте най-добрите... Речник на синонимите
ШЕДЬОВЪР- най-доброто произведение на изкуството от този вид, като цяло образцово произведение. Пълен речник на чуждите думи, които са влезли в употреба в руския език. Попов М., 1907. шедьовър (фр. chef doeuvre) 1) в средновековни работилници образцов продукт, който ... ... Речник на чуждите думи на руския език
ШЕДЬОВЪР- (френски chef d oeuvre) ..1) образцов продукт, който в много средновековни работилници е трябвало да бъде направен от занаятчия, стремящ се да стане майстор, за да докаже професионалното си умение2)] Образцовото произведение е най-висшето... . .. Голям енциклопедичен речник
ШЕДЬОВЪР- [de], ах, съпруг. (Книга). Изключително по своите качества произведение на изкуството, образцово творение на майстор. Литературен ш. Шедьоври на архитектурата. Обяснителен речник на Ожегов. С.И. Ожегов, Н.Ю. Шведова. 1949 1992 … Обяснителен речник на Ожегов
Шедьовър- (фр. chef d oeuvre) 1) образцов продукт, който в много средновековни работилници се е изисквал от занаятчия, който иска да стане независим майстор, за да докаже своите професионални умения; 2) образцова работа - най-високата... ... Енциклопедия по културология
шедьовър- и остарял шедьовър. Произнася се [шедьовър]. Някои руски учени още в средата на 20-ти век предпочитат шедьовъра на произношението като по-характерен за френския език, от който тази дума е заимствана... Речник на трудностите на произношението и ударението в съвременния руски език
Шедьовър- Шедьовър или шедьовър (на френски chef dœuvre, буквално „най-висшата работа“, „венецът на труда“) е уникално, ненадминато творение, най-високото постижение на изкуството, майсторството или нещо друго. Шедьоври най-често се наричат произведения... ... Wikipedia
шедьовър- истински шедьовър... Речник на руските идиоми
шедьовър- в средновековна Франция, започвайки от 13-ти век, тази звукова комбинация не е дума, а цял израз, означаващ „продукт, направен от ученик, и даващ му правото да се нарича майстор“. Вероятно такива изпити са правени в Средното... ... Занимателен етимологичен речник
Книги
- Chester's Masterpiece, Watt M., Chester's Masterpiece ISBN:978-5-905845-05-5… Категория: За деца Издател: Diamond Media, Производител: Diamond Media, Купете за 157 UAH (само Украйна)
- Шедьовър, Миранда Глоувър, Новият проект на популярната художничка Естер Глас се превръща в сензация в света на изкуството. Като шедьовър тя се представя ... на търг на Sotheby's: в рамките на една седмица след продажбата тя ... Категория:
Съвременното изкуство няма строги граници и критерии. Напротив, нарушава всички възможни условности. Но тогава как да не се обърка човек в такава сложна тема като как да разбере кой художник е гений и кой е просто майстор на шокиращо изкуство? Нека се опитаме да го разберем заедно с Forbes.
Едно истинско произведение на изкуството има редица критерии, които са лесни за разпознаване.
Иновация.Както знаете, гениите са нарушители на установените закони. Това са иновативни идеи, оригиналност, свеж поглед дори към банални неща, които отличават изкуството от занаята. Традиционните натюрморти и пейзажи, чиито канони не са се променили от векове, със сигурност са красиви, но все пак това не е достатъчно. Съвременният художник винаги се опитва да надхвърли приетите стандарти и да намери нови изразни средства.
Ярък пример за новаторство е работата на Георг Базелиц. В експресионистичните му творби е точно обратното. Той прави главните герои на своите платна фон, обръщайки образите с главата надолу. Постоянните смели експерименти, на които само луд или гений може да се осмели да предприеме, донесоха на художника световна слава.
Георг Базелиц "Сбогом"
Майсторство- вторият много важен знак. Изкуството трябва да радва. Колкото по-добра и по-сложна е работата, толкова по-голяма е нейната стойност. В днешно време хората се учудват не просто от една идея, а от нещо, което е трудно повторимо, за което са вложени много време, труд, материали и средства.
Например брилянтните произведения на Александър Калдър. Неговите мобили - кинетични творения, движени от вятър или електричество - изглеждат приказни и безтегловни. Мобилните телефони са не само иновация на Калдър, но и комбинация от труд, инженерна и художествена мисъл и високо умение.
В изложбата с творби на Александър Калдър
„Пространствена концепция“ от Лусио Фонтана
Значение.Просто красиво, необичайно, сложно нещо - обект на дизайн. Едно произведение на изкуството принадлежи към духовната категория, така че трябва да носи определено послание и да има дълбок смисъл.
Лусио Фонтана. Изглежда, какво би могло да бъде значението на изрязаните платна? Но ако задълбаем, пред нас се разиграва цяла драма. Изрязаното платно е за отчаянието на художника, за кризата в живота на всеки от нас, за опит да се разруши платното на реалността. Фонтана пише: „Моите процепи... са преди всичко философски израз, проява на вяра в безкрайността, утвърждаване на духовното начало. Когато седна пред една от цепките си и започна да я съзерцавам, изведнъж чувствам, че духът ми е освободен, чувствам се като човек, избягал от оковите на материята, принадлежащ към безкрайната шир на настоящето и бъдеще...”
Интерактивност.С тази техника зрителят става съавтор и взема активно участие в процеса на създаване. Съвременното произведение на изкуството винаги е някаква мистерия, неяснота, отворен въпрос, на който всеки трябва да си отговори сам. Друг пример за интерактивност е създаването на атмосфера, когато едно произведение на изкуството буквално поглъща зрителя в своя свят.
Трейси Емин показа на света нещо много лично и съкровено. Известната инсталация на Трейси „Моето легло“ разказва историята на период на депресия в живота на художника. Така, гледайки тази работа, зрителят се озовава в атмосферата на стаята на Трейси и става свидетел на нечия друга тайна.
Трейси Емин "Моето легло"
Социална значимост.Съвременното изкуство повдига наболели социални проблеми, бунтува се, спори, протестира. Това е начин за отражение на обществото, огледало, в което се оглежда нашата цивилизация.
Едуард Буртински показва как човечеството създава нов модел за планетата. В неговите снимки промишлени сгради, опасни отпадъци, промишлени конструкции се превръщат в нежна дантела, перфектни и сложни геометрични комбинации. Художникът показва динамична картина на взаимодействието между природата и индустрията. Неговите творби имат планетарно значение. Въз основа на работата на Бъртински е заснет зашеметяващ документален филм „Произведени пейзажи“.
Едуард Бертински, снимка от поредицата „Вода“. Река Тьорса, Исландия.
Банкси. Този художник рисува улични стени с актуални картини, които остро критикуват обществено-политическите събития в света. Но Банкси стана популярен не само поради своята уместност и умения. Стенописите му се разпознават от пръв поглед. Характерният стил на Банкси е използването на шаблони. Именно благодарение на тази особеност произведенията на световноизвестния художник се отличават от изкуството на местните хулигани. Между другото, картините на Банкси, класифицирани като „вандалски“, значително увеличават стойността на имота, върху който се намират. Много от творбите на Банкси са незаконни, така че художникът е принуден да крие самоличността си.
Много от творбите на Банкси са незаконни, така че художникът е принуден да крие самоличността си
От поредицата творби на Райнер „Маски на смъртта“.
Психологизъм- знак, близък до значението. Но това засяга не само информационната, но и емоционалната сфера. Такива произведения събуждат дълбоки емоции, апелират към чувствеността, към подсъзнанието на зрителя. Например Арнулф Райнер показва многообразието и сложността на човешката природа. Картините му привличат и плашат, докосвайки дълбоките слоеве на нашето подсъзнание. Райнер засяга теми табу - смърт, религия - и драматично разрушава всички забрани. Това творчество винаги е на ръба на лудостта, на ръба на това, което психиката може да издържи.
Композиционна хармония. Целостта и пълнотата на работата е един от най-важните критерии. Съвременният художник освобождава своето творение от всички ненужни неща, опитвайки се да го направи възможно най-точен и кратък. Например, минималистичните лампи на Дан Флавин винаги са хармонични и магически произведения.
Една от фантастичните светлинни инсталации на Дан Флавин
През 1993 г. психологът Джеймс Кътинг отива в Musée d'Orsay (Париж), за да разгледа картината на Реноар „Балът в Moulin de la Galette“, изобразяваща парижани, забавляващи се и считана за едно от най-великите произведения на импресионизма. Но вместо да се възхищава на Реноар, той внезапно откри, че е привлечен като магнит от платното в съседната стая: очарователната, загадъчна гледка на заснежените парижки покриви.
Никога преди не беше виждал тази картина и не беше чувал за нейния автор Гюстав Кайбот. Това го накара да се замисли.
Случвало ли ви се е да се влюбите в книга и да бъдете изненадани да не я намерите в нито един списък с велики произведения? Или да се разхождате в кръг около „класическа“ скулптура, опитвайки се напразно да разберете за какво е целият този шум? Ако е така, вероятно сте се замисляли над въпроса, който Кътинг си задава в музея Орсе. 
Първият отговор, който идва на ум, е, че някои произведения са просто страхотни: те са с най-високо качество. Картините, които висят в галериите на най-добрите места, които се учат в училище и които се препечатват в книги, са доказали своята художествена стойност, непреходни. Ако не разбирате защо са добри, това е ваш проблем. Това е плашещо ясно обяснение. Но някои социални учени продължават да задават неудобни въпроси, повишавайки възможността художествените канони да са нещо повече от замразени исторически случайности.
Кътинг, професор в университета Корнел, се чудеше: възможно ли е психологически механизъм, известен като „ефект на привързаност“, да работи при определянето на мястото на картините в културния хит парад? В новаторски експеримент от 1968 г. на хората бяха показани поредица от бързо променящи се абстрактни форми: някои от формите се повтаряха, но тъй като се променяха често, субектите не забелязаха. 
В Корнел Кътинг провежда подобен експеримент, за да провери предчувствието си. По време на лекциите той редовно показваше на студентите произведения на импресионистите - всеки за две секунди. Сред тези картини имаше както класически, включени във всички учебници по история на изкуството, така и други със сравнимо качество, но по-малко известни. Последните се демонстрират четири пъти по-често. В края на курса студентите започнаха да ги предпочитат пред класическите произведения, докато контролната група остана вярна на класиката. Учениците на Кътинг започват да харесват картините повече, просто защото ги виждат по-често.
Кътинг вярва, че този експеримент отговаря на въпроса как се формират каноните. Той подчертава, че в края на 19 век само пет-шест богати колекционери са купували най-тиражираните днес творби на импресионистите. Предпочитанията на тези хора осигуряват престижа на определени произведения, в резултат на което те по-често са излагани в галерии и публикувани в антологии. С годините одобрението само нараства, набирайки скорост благодарение на „ефекта на лепкавост“. Колкото повече хора виждаха, да речем, „Балът в Мулен дьо ла Галет“, толкова повече им харесваше и колкото повече им харесваше, толкова по-често картината се появяваше в книги, на плакати и на големи изложби. А академици и критици дадоха научни обяснения за тяхното превъзходство. В края на краищата, не само масите са склонни да ценят по-високо това, което срещат по-често. Както правилно отбелязват съвременни художници като Анди Уорхол и Деймиън Хърст, критиката е тясно преплетена с рекламата. „По отношение на ефекта на лепкавост“, казва Кътинг, „учените не се различават от обществеността.“ 
Преди няколко години Watts, служител на Microsoft и експерт по динамиката на социалните мрежи, имаше подобно преживяване в друг парижки музей. След като се нареди на опашка, за да види Мона Лиза в нейната куршумоустойчива стъклена витрина с контролирана температура, той се отдалечи от картината, объркан защо е смятана за много по-добра от другите три картини на Леонардо, изложени в предишната стая, която никой не изглеждаше да се обърне и най-малкото внимание. ?
Когато Уотс прелиства Историята на най-великите картини в човешката история, той открива, че Мона Лиза е тънела в сравнителна неизвестност през по-голямата част от историята си. През 50-те години Леонардо да Винчи е смятан за нищо в сравнение с гигантите на Ренесанса - като Тициан и Рафаело, чиито произведения струват почти десет пъти повече от Мона Лиза. Едва през 20-ти век портретът на Леонардо на съпругата на неговия покровител се изстрелва до номер едно в класациите. И не новата присъда на академиците го тласна там, а банален грабеж.
През 1911 г. служител по поддръжката на Лувъра излиза от музея с Мона Лиза, скрита под гащеризона му. Парижани бяха изумени и възмутени от кражбата на картината, на която досега не бяха обръщали особено внимание. Когато музеят отвори отново, хората се наредиха на опашка, за да разгледат празното място, където някога е била висяла Мона Лиза - да погледнат с интерес, с който никога не са гледали самата картина. Полицията беше на загуба. По някое време дори уплашеният Пабло Пикасо е извикан на разпит. Но Мона Лиза е открита едва две години по-късно, когато крадец, италиански дърводелец на име Винченцо Перуджа, се опитал да продаде картината на галерия Уфици във Флоренция и бил заловен на местопрестъплението. 
Вестниците по целия свят препечатват нейни репродукции, което прави Мона Лиза първата картина, получила международно признание. Оттогава тя олицетворява цялата западна култура като такава. През 1919 г., когато Марсел Дюшан иска символично да унищожи високото изкуство, той рисува върху козята брадичка на Джоконда, което за масовата публика само затвърждава статута й на „въплъщение на голямо изкуство“ (или „пример за абсолютно съвършенство“, т.к. критикът Кенет Кларк по-късно я описва). През целия 20-ти век музиканти, рекламодатели и режисьори са използвали славата на филма за свои цели, а той, според Уотс, „на свой ред е използвал тях“. Перуджа не успя да върне Мона Лиза в родината й, но успя да я превърне в икона.
Малко вероятно е уникалният статус на картината да се дължи изцяло на качеството на нейното изпълнение (въпреки че мнозина са опитвали това). Казват, че очите на изобразения човек „следват“ наблюдателя. Но, както сухо отбелязва биографът на картината Доналд Сасун, „всъщност този ефект може да се постигне чрез съзерцаване на всеки портрет“. Дънкан Уотс предполага, че Мона Лиза е само най-доброто въплъщение на едно общо правило. Картини, стихотворения или популярни песни се издигат до върха на популярността и потъват в неизвестност чрез случайни събития или предпочитания, които се превръщат във вълни на влияние, които се търкалят през вековете.
„Да се каже, че културните обекти имат стойност“, пише веднъж Брайън Ино, „е като да се каже, че телефоните водят разговори.“ Почти всички културни обекти, които консумираме, идват при нас вече оборудвани с предварително определена оценка; нашите предпочитания в известен смисъл винаги са чужди. Зрителите на Мона Лиза знаят, че идват да гледат най-великата картина в света, и си тръгват от нея с естествено възхищение - или разочарование. 
Шамус Хан, социолог от Колумбийския университет, вярва, че нашата дефиниция за „велик“ зависи толкова от опасенията за статута, колкото и от художествената стойност на обекта. Той посочва, че в Америка през 19-ти век границата между „високото“ и „ниското“ изкуство е едва видима. Идеята на стоманения магнат за забавна вечер може да включва както оперно пеене, така и изпълнение на жонгльори. Но в началото на 19-ти и 20-ти век богатите бяха въвлечени в битка за статус, опитвайки се да утвърдят превъзходството си над нарастващата средна класа. Така те започнаха да се самоопределят чрез по-тясно дефинираното понятие „високо изкуство“. Купуването на кутия в операта или започването на събиране на импресионисти - това бяха начини да укрепите позицията си в клана.
Въпреки че твърдото разделение на изкуството на високо и ниско избледня през 60-те години, ние все още използваме културата като маркер на идентичност, макар и по-малко праволинейно. Сегашната мода на еклектиката – „Аз слушам Бах, АББА и Джей Зи“ – според Хан е нов начин за буржоазните бохеми да се разграничат от това, което смятат за „тесни“ предпочитания на долните слоеве на обществото.
В такива ситуации действителното качество на едно произведение на изкуството започва да изглежда като негов най-маловажен атрибут. Въпреки това може би все още е по-значимо, отколкото признават нашите социални изследователи. Първо, работата трябва да има определено качество, за да се класира за първото място в класациите. Мона Лиза може да не е най-добрата картина в света, но все пак беше изложена в Лувъра и има причина. 
Сравнете „Да бъдеш или да не бъдеш“, необяснимо въплъщение на мислещото съзнание, изпълнено със съмнения, колебания и прозрения, с който и да е монолог на Марлоу или Уебстър – и Шекспир веднага се озовава в лигата си. Уотс може да каже, че се самозалъгвам, както и безброй читатели и изследователи, които са стигнали до същото заключение. Но кое обяснение за величието на Шекспир би било по-скромно?
Проучване, публикувано в British Journal of Aesthetics, твърди, че „ефектът на привързаността“ действа по различен начин в различните ситуации и предлага различни отговори на въпроса за принципите на формиране на естетическите канони. Въз основа на експеримента на Кътинг, учените многократно показаха на две групи студенти творбите на двама художници, британския прерафаелит Джон Евърет Миле и американския популист Томас Кинкейд. Колоритните пасторални сцени на Кинкейд са чист кич, „златен стандарт“ на лошото изкуство. Учените заключават, че участниците в експеримента са започнали да харесват Millet повече, както може да се досетите от „ефекта на привързаността“. Но постепенно започват да харесват Кинкейд по-малко. Тоест с течение на времето „ефектът на привързаността“ помага да се идентифицира по-талантлив автор.
Социолозите са прави, че трябва да поддържаме известна степен на скептицизъм по отношение на великите и че никога не трябва да забравяме да гледаме съседите. Дори експертите могат да объркат великото изкуство и посредствеността. Но затова трябва да виждаме – и да четем – колкото можем повече. Колкото повече ни се показва добро и лошо, толкова по-добре виждаме разликата. И еклектиците разбираха това.
Есе за единен държавен изпит:
Изкуство. В света има огромен брой картини от различни жанрове, посоки и автори. Но само няколко от тях ви карат да се замислите за себе си, за живота и да преосмислите някои от моментите му. Какво прави една авторска творба шедьовър на твореца? Отговор на този въпрос ни дава текстът на И. Долгополов.
Анализирайки този проблем, авторът рисува картини на „мрачната красота на Русия“. „Златни пасища, сини очи на езера, бели каменни лебеди-храмове“ - всеки от тези детайли помага да се разбере колко близо трябва да бъде художникът до своята страна, история, народ, така че чистият, правдив, пророчески глас на твореца “ биха достигнали до него от дълбините на вековете” потомци.
Важна роля в текста заема контрастът между „виртуозни майстори, владеещи аристократична техника на рисуване“ и творци, чиито произведения са външно прости, но изпълнени с „бездънна духовна дълбочина“. Неслучайно имената на великите Пушкин, Глинка, Достоевски се появяват в заключителната част на аргумента – така И. Долгополов убеждава читателя, че в творчеството на всеки творец най-важното нещо не е „почеркът, щрихът или щрих на четката, но сърцето.”
След като прочетох и анализирах този текст, разбрах, че авторът навежда читателя на следната мисъл: шедьоврите на твореца трябва да бъдат изпълнени с чувство за принадлежност към Отечеството. Публицистът не се съмнява, че само „любовта към ближния и простотата на сърцето“ могат да мотивират художника да „твори неувяхващи шедьоври“.
Гледната точка на автора ми е близка и разбираема. Убеден съм също, че работата на един истински творец трябва да остави незаличима следа в душата на човек и да помогне на човек да се огледа около себе си, да види хората, които са наблизо, и да разбере проблемите им.
За да докажа моята теза, бих искал да се обърна към работата на К. Паустовски „Старият готвач“. Авторът говори за сляп, умиращ старец. Заедно с героя изпитваме дълбоки угризения на съвестта и чакаме облекчение от страданието. Изненадващо, това издание идва с музиката на млад непознат, което помага на слепия човек да се върне в дните на младостта си, да срещне любимата си и да види как белите цветя цъфтят в стара ябълкова градина. Четейки историята на Паустовски, разбираме, че музиката на великия Моцарт е направила толкова силно впечатление и е успокоила душата на умиращия.
Аргументирайки позицията си, бих искал да цитирам като пример разказа на А. Куприн „Гранатната гривна“. Историята на Вера Шейна и Желтков направи възможно да се види, че сонатата на Бетовен играе много важна роля в отношенията на героинята с влюбения в нея мъж. Заедно с принцесата слушаме музикалното произведение, споменато в предсмъртното съобщение, което е получила, и усещаме колко голямо е неговото тихо възхищение. Под звуците на акорди идва усещането за вечна любов, която е отминала, повтаряйки се само веднъж на хиляда години. Тази музика е толкова вдъхновена от Куприн, че именно чрез нея се предават мислите на Желтков: „Спокойно, скъпа, спокойно, спокойно...“
Изкуство. Пиеси от П.И. Чайковски, картини на В. Васнецов, незабравими страници от романите на Л. Толстой - видът и жанрът на изкуството не са толкова важни, колкото фактът, че в живота на всеки се появява произведение, което ще помогне на човек да разкрие себе си и да разкрие околните него.
Текст И. Долгополов
Като чудно ехо от отдавна отминали времена пленяват окото творенията на Андрей Рубльов, разкрил на хората очарованието на смътната красота на Русия. Небесната шир, златните пасбища на полетата му, сините очи на езерата и бавността на реките. Пророческият глас на картината на Рубльов е чист, правдив, идващ от дълбините на вековете и ние, слушайки този небързан разказ, усещаме легендарното време на формирането на Отечеството, виждаме белокаменни храмове, бойници и горди кули на крепости, шумни площади на многолюдни градове. Ние обичаме творенията на Рубльов за тяхната рядка красота, защото разпознаваме в тях душата на нашите предци. Слушайте... и изведнъж от бездната на времето пред вас ще изникнат стройни редици от блестящи войници с шлемове, гора от копия, блясъка на мечове и... женски вик. Черен номадски облак тичаше над червеното слънце, стрелите на врага летяха и нямаше край за тях. Рус е видяла много, много горчиви неща. Нейният син Андрей Рубльов пренася в днешния ден радостите и скърбите на своето време – в тях мъките и изпитанията, които хората понасят. Чували ли сте звука на камбаните на старите църкви на Русия, когато се носи в лазурното небе, а самата земя изглежда приказна, епична. Идва здрач и всички признаци на днешния ден изчезват в мрака на залеза, ние долавяме все по-ясно чистотата на звука на вечерната камбана. И не че отдавна са отминали времената, когато църквите са били строени с преследвани силуети, хармониращи с пейзажа. Лесно се диша в този пълен с мед въздух, в който се разтваря ароматът на диви цветя и билки, горчивият мирис на огньове... Първата звезда светва в бездънния мрак на идващата нощ, а ние все още сме изпълнени под звуците на говорещи камбани, трогнати до сълзи от радостта от общуването с природата на родния край. Такова чувство за принадлежност към Отечеството се пробужда, когато внимателно и предубедено се вгледате в творенията на Рубльов. Сякаш в тях се чува зовът на земята, макар и претърпяла трудности, но познала и радостта от славните победи. В света са създадени много велики и грандиозни творения, безброй виртуозни майстори, усвоили художествената рисунка, живопис и композиция, създали платна, в които действат десетки фигури. Размахът на тези платна понякога е удивителен, както и обаянието на сюжетите... Но малко хора в този многохиляден свят на изкуството са създали произведения, равни по дълбочина на прозрението на Рубльов, външно прости, мъдри с онази бездънна духовна дълбочина това отличава поезията на Пушкин и Блок, музиката на Глинка и Мусоргски, прозата на Гогол, Достоевски, Толстой. Любовта към ближния, простотата на сърцето - това е силата, която вдъхновява Андрей Рубльов да създава неувяхващи шедьоври. Работата, училището за живот и изкуството му помогнаха да ги създаде. В творбите му не говори почеркът, щрихът, щрихът на четката, а сърцето на твореца.
от. И. Долгополов
